经常有许多想申请艺术留学攻读插画专业的学生，以及很多正在苦学插画技法和创作的学生们会问：
老师，经常听说某某插画师的画风如何如何，插画师的风格多么多么重要。那么什么是插画师的画风？插画师要怎样才能建立自己的绘画风格呢？
今天我就来解答一下这些同学的疑问。
首先说说画风指的是什么。
画风就是一个人的绘画风格，是一个艺术家区别于他人的，在视觉呈现上具有明显辨识度的绘画特点。
所谓风格，就是独特性，就是差异性，就是辨识度。
如果一群艺术家都具有某个同样的特点，我们也可以把这个特点叫做这一群插画师的画风，比如我们经常说到的日式风格插画，美式风格，还有国风插画等等，或者我们说的扁平风格插画，还有平涂、厚涂等等，都是一种画风。
下面四幅是罗德岛设计学院毕业生、著名华人插画师倪传婧的国风插画。
下面三幅，天野喜孝的基底是日式风格，但在其个人风格中加入了东方的古典美，结合了欧洲幻想文学的特点。他使用的大地黄色，人物造型飘逸灵动，狭长的有棱角眼睛等等，处处体现天野流对于风格的极致追求。
下面三幅，张亮的美式风格商业插画，他喜欢使用各种弧线，卡通式的人物造型，大量使用亮黄色为主的鲜艳色彩，美国hip-hop文化的气质，构成了他的画风。
几乎所有的影响力广泛的画风，都是某一位或某几位艺术家在艺术创作上首先实现这种绘画风格后，被更广泛的其他艺术家所接受和认可，然后参考、学习、模仿、借鉴，进而形成一种稳定而广泛传播的画风。
艺术史上的各个绘画流派，印象派，立体派，抽象派，其实都是一种画风。而每个艺术流派之内，每个艺术家也都有自己的特点，这个特点就构成了他的个人画风。同为印象派的莫奈、马奈、雷诺阿，他们在印象派共同的画风之外，还有非常鲜明的个人风格。
所以，画风可以用来表示绘画的整体特点，也可以表示绘画中某方面的特点，不管是造型上的、色彩上的、构图上的、内容上的特点，只要是有辨识度的，特点鲜明的，都可以叫做画风。
所以，一个插画师的画风，一定会包含某些“群体”画风，也包含插画师自己独有的画风。评价一个插画师，说这个插画师的特点是中国风，或者是扁平风，这其实不足以说明这个艺术家的独特性。一个插画师的画风，主要是指他跟大多数艺术家看起来不一样的特点，也就是说这个插画师的独特画风。
下面四幅是加拿大插画师RebeccaYanovskaya的作品，哥特式的暗黑风格，象征着自然力量和神秘主义。她使用圆珠笔和金箔作画，人物造型舒展优雅，具有古典的仪式般的戏剧美感，呈现出非常强烈的个人风格。
下面三幅是莫兰迪的静物，他的画风，包括他塑造明暗的方法，包括他对灰色的使用，他作品流露出的清心寡欲的气质，甚至他的描绘对象大量使用极简的静物，这些特点中每一个都是他的画风。
下面四幅，插画师MollyEgen，这个艺术家对粉色的偏爱，以及女性人物脸颊两边都有两片农村红，有了这两片“农村红”，女性就被赋予了天真、直率、简单而快乐的标签，这也构成了她的独特风格。
下面四幅为西班牙插画师PauGasolValls作品。
下面三幅是爱尔兰插画师CathalDuane作品，强烈的黄色和色彩搭配，夸张的透视变形。
所以，不要把所谓的画风想的过于神秘，画风的本质就是独特性，就是和别人不一样的特点。每个能称得上是艺术家或者插画家的人，都必须有自己的画风。所有艺术家最终的追求，就是艺术上的独特性。
所以，你也可以随时塑造你自己的画风，比如你可以一系列作品都使用蓝色系的背景，你可以把作品中人物的鼻子全用精准写实的圆锥体，你可以所有线条都放弃弧线而使用或长或短的直线.....这些特点，都会构成你个人的鲜明的画风。
当然，多数插画师的画风，是插画师在创作的过程中，自然而然形成的。插画师在不断创作的过程中，会偶然发现一种很有意思的方法或表现形式，这种方法或形式可以让作品看起来更“好看”，或者能表达某种特别有意思的东西，插画师就会把这个方法或形式也应用到其他作品中。当这一系列作品都具有了这个特点，这就形成了这个插画师的画风。最直观最简单的例子就是我们上面看到的插画师MollyEgen笔下的女性，她们脸颊的农村红就是这样形成的。所以，一两幅作品的特点只是特点，一系列作品的共同特点，就形成了这一系列作品的风格。
你能够掌握的方法越多，你对风格的了解就越深刻。作为插画师，你最重要的创作手段叫做不断尝试，你要多去实践，才能慢慢找到适合自己而且自己也喜欢的画风。
同时，我也建议你在做一些习作的时候，可以主动去建立一下自己的画风，比如刚才提到的所有背景全用蓝色系，（在你之前，已经有许多艺术家在做类似的工作了，比如艺术家伊夫.克莱因，他创造了艺术史上著名的克莱因蓝；以及英国插画师CharlotteAger，也以大量使用蓝色著称）这样做的结果是，不但让你的作品具有强烈的风格，而且会通过短期的大量重复让你迅速熟练掌握这种画法的特点。更重要的是，你会看到自己的作品显得如此与众不同，从而让你加强自己成为插画师的决心和信心。
下图，伊芙克莱因的克莱因蓝
以下是CharlotteAger的作品，她善于大量使用蓝色。
当然，在初期阶段，你这种对于个人风格的探索大多数会以失败告终。但这完全没有关系，艺术家最重要的品质就是“不断尝试，推倒重来”。每一次失败，你都会对风格有更深的认识，你都会在建立自己风格的征途上又前进一大步。
看到这里，你就很容易理解画风跟造型基础没有很大关系。扎实的造型基础和色彩基础可以让你发展多种多样的风格。但是如果你造型基础不好，你也可以发展不是特别写实的画风，也可以从色彩、构图方面发展自己的独特画风。只要有好的创意，一样可以成为优秀的插画师。
但我必须要说明的是，我反对“素描无用论”。作为一个从事国际艺术教育多年的教育工作者，虽然我们不像国内老师一样那么重视素描，但我仍然强烈建议你学一些素描，加强一下自己的造型基础，“画的好”绝对可以让一个插画师在职业的道路上走的更远。（包括SVA纽约视觉艺术学院等美国顶尖艺术学院，在录取学生时也会要求提交“观察性绘画”以考察学生的造型能力）
当然，我不是让你采取高考补习班那种学习和审美方法，也不想让你具有央美一画室那样牛逼的造型能力。对于造型能力，我倡导的是“够用就好，边用边学”。这个我会在随后的文章里明确说明，一个入门插画师应该具备什么程度的素描基本功。
最后，再强调一下，一个插画师，一个艺术家，风格是最重要的东西，强烈的辨识度和差异性，是艺术家区别于他人的标志，你的作品能否打动观众、打动买家、打动编辑、打动客户、打动评审官，最重要的在于你和其他人有什么不同，而不是你比别人画的都好。
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